Apunte Freak del Día - Prom Night (1980)

De la mano de la scream queen por excelencia, Jamie Lee Curtis, nos llega Prom Night (1980), película bastante infumable así que no consideréis esto una recomendación sino más bien lo contrario. Solo recomendable para los fans de Jamie Lee ya que se marca un baile durante la noche de graduación bastante interesante, al más puro estilo Fiebre del Sábado noche.

La película empieza contándonos la muerte "accidental" de una niña mientras jugaba al escondite con 4 compañeros del colegio. La muerte se produce por su culpa y los 4 deciden hacer un pacto de silencio y no hablar jamás de ello. Seis años después los cuatro reciben una llamada de alguien desconocido, lo cual nos hace intuir que algo malo les ocurrirá.

Bueno, no voy a desvelar nada más por si alguien quiere verla (ouch!)

Diecisiete años después, en 1997, Jim Gillespie tomó prestada la idea inicial de este film (alguien muere por culpa de un grupito de amigos y deciden callar, al cabo de unos años tendrán su merecido) para rodar Sé lo que hicisteis el último verano y para desgracia para todos, un año después Danny Cannon nos sorprendió con una inesperada secuela ¬¬ Aún sé lo que hicisteis el último verano (1998)

Acerca de la estética visual, toda la parte del baile de graduación me recuerda muchísimo a Carrie de Brian DePalma pero en este caso no se nos marea con movimientos de cámara imposibles ni pantallas partidas (lo cual me encantaba!) a parte de eso, la película de De Palma no tiene absolutamente nada que ver, gracias a dios!

Un apunte final, como buena película de terror adolescente ésta tiene varias secuelas; Hello Mary Lou: Prom Night II (1987), Prom Night III: Last Kiss (1989) y Prom Night IV: Deliver us from devil (1992).

Braindead (1992)

Ahora que vuelve a estar de moda por su remake de King Kong (aún no la he visto y aunque me la hayan recomendado fervientemente me sigue dando pavor ir a verla), ahora que todo el mundo conoce al director Neozelandés por la trilogía cinematográfica más famosa de la última década, ahora es el momento de reivindicar sus primeros (y mejores) trabajos, ni remakes, ni adaptaciones tolkinianas, sus más sangrientos inicios donde el bajísimo presupuesto de sus filmes no estaba para nada reñido con las buenas historias que nos supo contar. Yo, antes, era fan de Peter Jackson (al igual que lo era de Sam Raimi) pero en los últimos tiempos me ha ido decepcionando poco a poco y no porque piense que la trilogía de los Anillos sea mala sino porque se aleja bastante del cine al que nos tenía acostumbrados en sus comienzos.

Después de deleitar a los amantes del cine gore más gamberro (en los que orgullosamente me incluyo) con obras como Mal gusto (1987) película en la que Peter Jackson nos muestra la invasión de nuestro planeta de la mano de unos extraterrestres que vienen en buscar de carne humana para abastecer a una hamburguesería galáctica, repetir gamberrada unos años después con la divertidísima Braindead (1992) más conocida en España como Tu madre se ha comido a mi perro (frase sacada directamente de una de las escenas de la película, sin comentarios...) Peter nos trae la película más bella jamás filmada (por él): Criaturas Celestiales (1994) de la cual haré un brevísimo comentario en próximas entradas.

1992 fue el año más sangriento por excelencia y lo digo literalmente ya que Peter Jackson no escatimó en litros y litros (30.000) de sangre para la brutal escena final. Y es que ahora con un presupuesto más decente del que dispuso para su anterior película (con humanos) Peter no podía fallarnos y aquí nos ofrece vísceras, amputaciones, líquidos corporales varios, casquería andante y amenazante, un bebé zombie (de lo mejor del film), una enfermera ninfómana, un sacerdote karateka, un mono-rata llegado de Sumatra, una madre dominatrix convertida en un monstruoso engendro, y un largo etcétera digno de ver.

La primera parte de la película nos lleva a la isla de Sumatra donde un grupo de exploradores está intentando hacerse con un ejemplar de Mono-Rata para llevárselo al zoológico de la ciudad donde más adelante se centrará la historia. El resto de la acción transcurre en Wellington (Nueva Zelanda, como no...) donde vive Lionel Cosgrove. Lionel es un treintañero que vive controlado constantemente por su malvada madre, Vera Cosgrove. Un día, cuando va a comprar a una pequeña tienda, Lionel conoce a Paquita y a partir de ahí empieza su historia de amor y muerte.

Su primera cita les llevará al Zoo donde serán espiados por Vera en todo momento. Mientras los dos enamorados pasan sus primeras horas de noviazgo, un despiste hará que Vera sea mordida por el Mono-Rata. A partir de aquí empieza el espectáculo.

Hay escenas realmente asquerosas. Un ejemplo sería la escena de la comida en casa de Lionel donde Vera primero pierde la oreja en el pudding y luego salpica con pus el postre de uno de los invitados. La primera vez que la vi tuve que dejar de mirar.

Y escenas muy divertidas como en la que Lionel saca a pasear al bebé zombie en un cochecito debidamente acondicionado por el parque. De hecho el resto de escenas donde sale el bebé son muy graciosas.

Sobre las intrepretaciones, un aprovado justito pero es que en esta película son lo de menos. Apuntar que la actriz que interpreta a la madre aparecería 2 años después en Criaturas Celestiales (interpretando a una maestra de la escuela donde acuden Pauline y Juliet) y que Peter Jackson como ya es habitual hace un cameo.

Recomendación: Harry, un amigo que os quiere (2000)

Dominik Moll, director de esta película, me dejó con muchas ganas de seguir viendo trabajos suyos pero no fué hasta 2005 que volvió para ofrecernos Lemming. Película que no he visto pero está en mi lista de próximos visionados.

De todas formas la que hoy me ocupa es Harry, un amigo que os quiere (Harry, un ami qui vous veut du bien). La película rueda entorno a Michel, su mujer Claire interpretada por Mathilde Seigner y sus tres hijas. Los cinco viajan en coche a pasar una temporada en una casa rural que Michel está acondicionando pero en una parada para descansar se reencuentra con un amigo de la infancia, Harry (Sergi López). Después de recordar tiempos pasados, Michel se verá obligado a continuar charlando con Harry en su casa. Mientras están cenando Harry empieza a recordar lo bien que se le daba la escritura a Michel ante el asombro de su esposa Claire (quién no sabía nada de las inclinaciones artísticas de su marido). A partir de aquí Harry hará lo que sea para que Michel sea un hombre feliz...lo que sea.

Pues nada más, solo decir que el poema que escribió Michel en su juventud y que Harry se sabe (extrañamente) de memoria no tiene desperdicio, a mi me encanta, el título: "El gran puñal de piel de noche".

Ichi the killer (Koroshiya 1) (2001)

Si buscáis sangre, vísceras y casquería variada, ésta es vuestra película.

El jefe Anjo desaparece con 3 millones de yenes en su poder y el miembro más fiel de su banda, Kakihara (Tadanobu Asano) liderará su búsqueda e intentará obtener información de su paradero con los métodos más sangrientos que jamás podamos imaginar. En su camino se cruzará Ichi, un jóven totalmente traumatizado por unos acontecimientos que ocurrieron cuando éste era un niño. El encuentro entre ambos promete ser una auténtica orgía de sangre.

Después de la decepcionante Audition, lo realmente bueno del film llega cuando quedan 20 minutos para el final, me he decidido por ver otra película de Takashy Miike y esta vez me ha gustado la historia, cómo está rodada y también el personaje del sado-masoquista Kakihara.

Antes de verla leí que en varios festivales dejaron unas bolsitas en cada una de las butacas de la sala...aunque hace años también leí que la gente salía de las salas donde se proyectaba "The Blair Witch Project" para ir a vomitar...en fin.

Por cierto, decir que existe una precuela anime del film en la que Takashy Miike presta la voz al personaje de Kakihara.

Parece que el director está testeando el aguante del espectador con cada uno de los planos en los que Kakihara inventa una nueva tortura y en los que Ichi usa sus gadgets ocultos en sus botas. Una servidora no ha tenido que retirar la mirada en ninguna de las escenas, y la verdad, no sé si es para estar orgullosa o empezar a asustarme.

Saw 2

Esta tarde he malgastado 6,20€ viendo un videoclip de 90 minutos de duración. A los 20 minutos de haber empezado, las ganas locas que tenía por ver esta película se han transformado en ganas de irme despavorida de la sala.

El argumento de la película viene a ser el siguiente:

Jigsaw (el malo malísimo) nos ha preparado otro juego, ésta vez ha encerrado a 8 personas en una casa destartalada, entre los cuales se encuentra el hijo del policia protagonista. A los 10 minutos de metraje el policia consigue dar con el escondrijo del asesino (sólo porque él así lo ha querido) y es allí cuando se da cuenta de que su hijo (al que no ve desde hace un par de días) está encerrado en una casa con 7 personas más, inhalando un gas nervioso que acabará con sus vidas en menos de dos horas (casi casi rodada en tiempo real). Pero Jigsaw no es tan malo como lo pintan y les ha dejado una pequeña grabadora con una cinta donde les explica que tienen antídotos en forma de jeringuillas escondidos por toda la casa. A buscar se ha dicho!

Aviso: si no la habéis visto, no la veáis y además no sigais leyendo (si es que queréis verla...)

Primero de todo, señores argumentistas y guionistas, os lanzo unas cuantas preguntas que me rondan por la cabeza: ¿Dónde os habéis olvidado el factor sorpresa que hacía que la primera parte fuera un buen film de terror psicológico y no una sucesión de imágenes sin ton ni son? y sobretodo ¿De dónde habéis sacado a 8 personajes con menos sesera que Forrest Gump?

¿El espectador es el único que se da cuenta de que los números de la combinación de la caja fuerte están literamente en su cabeza? Porque sólo Xavier (el hispano) lo descubre y en pricipio diríamos que es el que tiene menos papeletas para poder hacerlo...

¿Porque Eric Matthews (el poli), que está viendo los monitores y por tanto a los 8 en todo momento, no informa a los SWAT y a su compañera que los allí encerrados son personas que habían sido encarceladas por él en el pasado? ¿Porque Xavier no intenta mirarse primero su número en un espejo y no tener que llegar a cortarse el cogote con un cuchillo para poder verlo?

A parte de esto, decir que me ha parecido tremendamente previsible desde principio hasta casi el final (dejo aparte lo del hijo encerrado en la caja fuerte), las trampas no tienen ni el estilo ni el sadismo de la precuela (recordad el horno que se cierra cuando el tio que está dentro tira de la jeringuilla...), lo único que me ha parecido maliciosamente gracioso ha sido la escena inicial cuando el tipo tiene que cortarse el ojo para sacar la llave y poder salvarse, tremendo.

Nada más, el resto a la basura y la verdad es que del espíritu gamberro de Saw (2004) solo tiene el título. Una pena.

Lo peor de todo no es Saw 2, lo peor es que habrá una tercera parte.

Requiem for a dream (2000)

Esta adaptación de una novela de Hubert Selby Jr. y segundo largometraje de Darren Aronofsky me parece una absoluta obra maestra.

Empezamos fuertes lo sé pero es que es así, quién pueda llegar a digerirla sabrá apreciarla como lo que es, una película de culto. Si la primera que rodó, Pi, no me pareció nada del otro mundo (tengo que volver a verla, lo sé), ésta es simplemente una de las mejores películas que he visto en los últimos 5 años

Nos cuenta la historia de 4 personajes enlazados entre sí; Sara Goldfarb (Ellen Burstyn TREMENDA) es una ama de casa sesentona que vive encerrada en su minúsculo piso pasando las horas delante del televisor. Harry Goldfarb es su hijo que solo la visita para robarle la tv y poder empeñarla por unos pocos dólares. Los otros dos personajes son Tyrone y Marion, el amigo y la novia de Harry.

La película rueda entorno a las adicciones de los protagonistas y nos empieza mostrando sus sueños (Marion, por ejemplo es el sueño de Harry, él mismo se lo dice en una escena de la película) para terminar conviertiendolos en sus peores pesadillas.

Rodada magistralmente cada una de las escenas nos llega a transmitir las sensaciones y sentimientos de los personajes a través de la pantalla. Nos hace estremecer con las alucinaciones de Sara en su comedor, con el mono de Tyrone mientras permanece encerrado en su celda, nos hace sentir asco, el mismo que siente Marion cuando se acuesta con su psiquiatra para conseguir su dinero... En definitiva sentimos lo que ellos sienten en nuestras propias carnes de principio a fin y salimos del cine totalmente desencajados después de haber aguantado los 102 minutos de metraje.

Decir que la pareja protagonista está muy bien elegida (a mi gusto claro), ya no solamente a nivel interpretativo sino también visual, los dos bellísimos.

Es tan perfecta que incluso tiene una banda sonora digna de mención. Compuesta por Clint Mansell nos acompaña y nos acerca aún más el espíritu del film.

El compositor ya trabajó con Aronofsky en Pi y lo vuelve a hacer en la última película del director: The Fountain (aún no estrenada, la esperamos con muchas ganas para 2006).

Naomi Watts

He de decir que si una servidora trabajara en la industria del cine, Naomi Watts sería una de mis actrices fetiche. Nacida en Inglaterra (siempre pensé que era australiana) se marchó con su madre y su hermano a Australia cuando tenía 14 añitos.

Yo la descubrí en el año 2001, cuando vi la magnífica Mulholland Drive (y eso que a mi David Lynch...ni fú ni fá) pero ya había aparecido en varios films no demasiado remarcables.

Dejo una breve lista de las películas que, a mi parecer, son las más destacables de la actriz:

• Mulholland Drive de David Lynch (2001)
• The Ring de Gore Verbinski (2002) Remake made in Usa de la terrorífica cinta (nunca mejor dicho) de Hideo Nakata.
• 21 grams de Alejandro González Iñárritu (2003)

Pues nada más, si no la conocéis todavía (que lo dudo mucho) a descubrirla, merece la pena!

Lost in translation (2003)

Poco a poco, a medida que pasan los días, voy añadiendo una entrada con un breve comentario sobre una película que, por lo que sea, me ha dejado un muy buen sabor de boca. Esta vez el turno es para la segunda película de Sofia Coppola, Lost in translation.

Debo decir que con su début, Sofia, me dejó bastante indiferente y eso me convierte en parte de la minoría a quién no le gustó Las vírgenes suicidas...

Ahora la directora nos lleva hasta Tokyo donde dos personas, Bob y Charlotte, se encuentran. Bob (Bill Murray) es un famoso actor norteamericano al que han contratado los nipones para anunciar una conocida marca de Whisky. Charlotte (Scarlett Johansson) es la joven esposa de un fotógrafo que ha ido hasta Japón para realizar un trabajo. Mientras su marido está fuera, ella se pasa el día en la habitación y las noches de insomnio en el bar del hotel. Allí es donde, estos dos personajes, se encuentran y comparten la experiencia de vivir en una ciudad que no es la suya, con un idioma que no conocen y estando perdidos enmedio de millones de personas.

Dicen por ahí que en esta película no pasa nada, que no inspira nada más que indiferencia. Yo, evidentemente, no pienso así. Quizá no pase nada y puede que eso sea lo que la hace una película tan especial.

Las horas del día (2003)

El pasado lunes a las doce de la noche daban en el canal 33 una de las últimas películas de Alex Brendemühl, Las horas del día. De hecho descubrí al actor gracias a este film.

Brendemühl interpreta aquí a un joven treintañero llamado Abel que vive con su madre en las afueras de Barcelona. Es dueño de una tienda de ropa donde nunca entra nadie y donde pasa la mayor parte de su tiempo. El resto del día lo comparte con su novia (Àgata Roca, miembro del grupo de teatro T de teatre), con su colega que trabaja en un kiosko o con su madre. Lo que nadie sabe es que bajo ese aspecto retraído se esconde un desalmado psycho killer barcelonés que no tiene nada que envidiar al mismísimo Ted Bundy.

Más que a Bundy le podríamos encontrar un cierto parecido a Norman Bates (Psycho - 1960) personaje basado en Edward Gein, psicópata asesino que actuó durante los años 50 en Wisconsin.

Bordada la interpretación de Alex Brendemühl como ya hemos podido ver en recientes papeles.

Irréversible (2002)

Esta noche voy a echar una mirada hacia atrás para recordar y recomendar una película del año 2002: Irréversible de Gaspar Noé. Protagonizada por una de las mujeres más bellas que han pisado nuestro planeta y por su marido, hablo de Mónica Bellucci y Vincent Cassel.

El director nos cuenta una historia pero la cuenta empezando por el final. De buen principio vemos que se trata de un relato crudo pero no es hasta el final (principio) cuando nos damos cuenta de lo sádico que puede llegar a ser con los espectadores. Desde el primer minuto vemos escenas que nos llegan como si de una patada al hígado se tratara. Y al llegar al final del metraje el director se encarga de rompernos aún más el alma...si cabe. Película dura donde las haya (leí incluso que hubieron espectadores que abandonaron la sala de cine durante la proyección) y a la vez totalmente recomendable, eso sí, sólo para gente con buen estómago.

Me he apropiado del tagline de la película para mi colección de mejores frases del cine:

"Le temps détruit tout"

Match Point (2005)

Hace un par de semanas fui a ver la última película de Woody Allen. Hoy el director cumple 70 años, cincuenta y cinco de los cuales dedicados al cine, ya sea como guionista (empezó con 15 añitos), director, actor o incluso compositor. Escribo este post porque me apetece recordar su buen cine, sobretodo el de los últimos 10 años que es el que más me gusta a mi. Aunque tengo especial predilección por alguna que otra película de los años 70, léase El dormilón (Sleeper - 1973), La última noche de Boris Grushenko ( Love and dead - 1975) o Annie Hall de 1977.

Las mejores para mi: Deconstructing Harry, Small Time Crooks, Hollywood Ending, Anything Else y Match Point sobre todas las demás.

Lo más raro del tema es que la ha dirigido Woody Allen pero no lo parece para nada. De hecho decir que es la película que más me ha gustado de su director es una especie de contradicción, no sé bien bien cómo explicarlo. Para empezar no transcurre en Nueva York como nos tiene acostumbrados sino en Londres. Tengo que decir que me fue extremadamente agradable a la vista la pareja protagonista, tanto Jonathan Rhys Meyers como su compañera de reparto femenina, Scarlett Johansson y quizá eso ayudó a que la película terminara por gustarme tanto.

En fin, cómo leí en alguna parte: Match Point probablemente no sea la mejor película de Woody Allen pero si la mejor hecha por Woody Allen.